拍卖现场
纽约时间5月9日晚间，佳士得“二十及二十一世纪艺术”系列拍卖之“ThomasandDorisAmmann珍藏晚间拍卖”如期举槌。本专场共36件拍品，总成交3.亿美元，成交率高达94.4%，共诞生1件亿级、4件千万级拍品。安迪·沃霍尔、迈克·比德洛、弗朗切斯科·克莱门特、玛丽·海尔曼、伊莱恩·斯图尔特文特、安·克雷文等艺术家刷新拍卖纪录。
本场的领衔拍品为安迪·沃霍尔的《枪击玛丽莲（鼠尾草蓝色）》，现场以1.7亿美元落槌，加佣金成交价为1.95亿美元，刷新艺术家个人拍卖纪录，成为拍卖史上最贵的二十世纪艺术品，亦是拍卖史上第二贵画作，仅次于达芬奇4.5亿美元的《救世主》。
此作由苏黎世ThomasandDorisAmmann基金会委托佳士得拍卖。拍卖收益将会全数拨捐基金会，致力建立完善的支援系统，为各地儿童提供医疗和教育计划。
成交价：,,美元（新纪录）
安迪沃霍尔：枪击玛丽莲（鼠尾草蓝色）
压克力丝网油墨麻布，.6×.6cm佳士得二十及二十一世纪艺术部主席AlexRotter说：“《枪击玛丽莲（鼠尾草蓝色）》绝对是美国波普艺术最登峰造极之作。这幅画不单超越了传统美国肖像画的体裁，亦跨越了二十世纪的艺术和文化。堪称可与波提切利的《维纳斯的诞生》、达芬奇的《蒙娜丽莎》以及毕加索的《阿维尼翁的少女》并列艺术史之巅。”《玛丽莲·梦露》是美国波普艺术运动的象征，代表乐观积极的精神和独特个性，还有战后的文艺复兴、名气和名人文化。
安迪·沃霍尔《玛丽莲》系列作品所依据的原照片
照片：Bettmann/Contributor
安迪沃霍尔自年开始以玛丽莲梦露作为主要创作题材创作丝网版画，并尝试以不同方式演绎同一幅经典宣传照片。年，安迪沃霍尔以玛丽莲梦露作为题材，创作的了五幅《玛丽莲》(包括《枪击玛丽莲(鼠尾草蓝色)》)，采用全新的上色方法，使用正片醋酸纤维印版，巧妙地将人手上色的部分与一层丝网印制的颜色对齐，使线条和色彩都无缝对接，形成利落清晰的明暗效果。安迪沃霍尔《玛丽莲》系列作品所依据的原照片
当我们疑惑“安迪沃霍尔的作品为什么能拍得高价”时，就得先从他的艺术故事开始讲起。
安迪出生于生活拮据的移民家庭，其父母来自捷克斯洛伐克的东部山村。移居美国后，父亲游走于各个煤矿工场寻找工作机会，收入始终不高；母亲则在路边售卖水果，偶尔用废旧易拉罐做一些玩具售予他人。
哥哥、母亲与安迪
10岁之前，安迪经历过三次精神崩溃。
巧合的是，几次发病时间都为暑假第一天，于是连续几个夏季，他都只能待在家里。期间，母亲教其画画，也为他朗读阐释连环画与杂志文字。
如今看来，正是漫画中的简练线条与绚丽色彩及杂志上的流行资讯，塑造了安迪最初的审美，也塑造了后来引领潮流的波普艺术家。
年轻时的安迪
年，21岁的安迪去到纽约，他做过橱窗展示、设计过贺卡，也画过广告插图。
年代，在朋友及合作画廊的建议下，安迪开始去除创作中的个人情绪，用图像纯粹还原生活中的物。其标志性的《金宝汤罐头》《七辆凯迪拉克》《玛丽莲·梦露》相继诞生。
之后，他拓展创作边界，开始尝试摄影、影片、文字出版、录制节目，甚至为摇滚乐队发布唱片，似乎所有的创作性领域，都有他的身影。
安迪很少见到父亲，14岁那年，父亲在煤矿工场意外身亡，加剧了他对死亡的恐惧。
六十年代初，他创作出一系列有关死亡的作品。它们多以现实事件为背景，无关自己，安迪像是一位旁观者，只是远远的看着与死亡相关的一切，未敢近观。
年6月3日，遭遇枪击后的安迪，侥幸活了下来。几年后，《头骨》系列完成，画中极具象征意味的骷髅，是他亲身经历过的死亡。它的出现，隐喻着安迪正与死去这一必然生理过程和解。
年，安迪再一次更换住处，新的住所更加宽敞明亮。他饶有兴致地将所有值得留存的东西，包括杂志、信件、生活用品甚至是吃剩的小块披萨，统统装进棕色盒子，标注日期，封存起来，运到了新居所。
正是从这一次打包开始，安迪身边始终摆放着一个待填满的盒子，直到年离世，他按类别及日期收藏杂物共装满了个盒子。
盒子中的物品，记录着他的生活轨迹，也记录着一个时代，安迪将它们称作《时空胶囊》。
他最广为人知的作品，大多完成于五六十年代。
年7月，安迪举办了自己的首个波普艺术展，展出的32幅《金宝汤罐头》画作激怒了众多艺术爱好者，在多数人看来，那些作品只是对罐头包装的复制，与实物几乎没有差别。
但实际上，这种机械的制作和呈现方式，正是他对美国社会的消费主义、大众文化和传播媒介的直接介入与展示。无论大众是否接受，他们都已参与其中。
年，《金宝汤罐头》展出几个月后，安迪再次用经典的波普排列方式，创作了《七辆凯迪拉克》。
画中没有人物，个人情感被降到最低，仅有的七辆款凯迪拉克自上而下进入画面，向大众展示着汽车时代的到来。它们色调单一，近乎冰冷，仿佛就是汽车本身。
显而易见的是，此时的作品与《金宝汤罐头》相似，都透露着安迪对物欲社会的反思，更隐含着观察者的冷峻气质。
手稿——暗色丝网印刷作品《七辆凯迪拉克》，描绘了款凯迪拉克（右图）
很多人评价说，沃霍尔的画几乎不可解释：“因而它能引起无限的好奇心，是一种略微有点可怕的真空，需要用闲聊和空谈来填满它。”
安迪·沃霍尔为地下丝绒乐队制作的专辑封面
实际上，安迪·沃霍尔画中特有的那种单调、无聊和重复，所传达的某种冷漠、空虚、疏离的感觉，正好表现了当代高度发达的商业文明社会中人们内在的感情。就像他创作的玛丽莲梦露，性感女星的头像在不断重复之后，逐渐丧失了原本的性感意味，变为一个空虚的符号。“我的画面就是它的全部含义，没有另一种含义在表面之下。”这是安迪沃霍尔对自己画作的解释。沃霍尔热爱重复和复制。“我二十年都吃相同的早餐，”他解释说，“我想这也是反复做同一件事吧。”除了大量重复，他还试图消除艺术创作中的手工操作因素。他的所有作品都用丝网印刷技术制作，形象可以无数次地重复，给画面带来一种特有的呆板效果。这在传统艺术中是无法想象的。
对于他的作品来说，基本没有所谓的“原作”可言，他的作品全是复制品，他就是要用无数的复制品来取代原作的地位。
他有意地在画中消除个性与感情的色彩，不动声色地把再平凡不过的形象罗列出来，也仅仅是罗列出来而已。
这样的作品，理所当然地引发了争议。
哈罗德·罗森伯格就曾经批评说：“麻木重复着的坎贝尔汤罐组成的柱子，就像一个说了一遍又一遍的毫不幽默的笑话。”
年纽约现代艺术博物馆举办过关于波普艺术的研讨会，指责像沃霍尔这样的艺术家们是对消费主义的“谄媚”。
但无论评论家们如何炮轰“沃霍尔们”对商业主义的拥抱，整个60年代，世界越来越清晰地见证着艺术文化领域的商业转变，而沃霍尔正是这场转变的核心。
尽管遭受争议，安迪·沃霍尔的作品却在商业市场上获得了巨大的成功，他的画作屡屡拍出高价，作品的展览也受到追捧。
他被评价为“把握了商业精髓的艺术家”。也许他的成功就在于，去除掉艺术中那些高深莫测的东西，把所有的一切剖开再摊平，最后陈列出来。
网友有人讨论“怎样评价安迪·沃霍尔和他的作品”，其实他本人早就对此作了回答。
“如果你想了解一个真正的安迪·沃霍尔，只需看看我的绘画、电影和我的外表，没有什么东西隐藏其后。”
“我的作品完全没有未来，这我很清楚。只需几年时间，我的一切将全无意义。”
前一句也许是对的，想要了解他不如去看他的作品。至于后一句他的作品是否有意义，却仍然需要时间去检验。
更多作品欣赏
《标签撕开的大金宝汤罐头（胡椒浓汤味）》，
安迪·沃霍尔为蒂芙尼公司设计的圣诞贺卡
安迪·沃霍尔《自画像》，-
安迪·沃霍尔《电椅》，
来源：美术志
责编：娜拉
审校：魏蔚
终审：孔平