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“管勇—介质空间”于年10月31日在北京民生美术馆盛大开幕！此次展览是北京民生现代美术馆“青年艺术家”系列的最新成果，由著名学者徐钢担任策展人，对管勇近5年来的艺术创作进行了系统的梳理和呈现。此次展览共展出艺术家管勇55件绘画及2件雕塑。展览不仅是管勇过去五年创作的小结，更是一个关于创作和观看方式的寓言。
开幕现场
北京民生现代美术馆理事长李文华、北京民生现代美术馆馆长周旭君、此次展览策展人徐钢、著名艺术家李津、艺术家管勇本人分别在开幕式上发表致辞。
北京民生现代美术馆理事长李文华开幕式致辞
管勇的作品宁静而含蓄，值得放在生活中长久的凝视和欣赏，这在当代艺术领域是很独特的。李文华理事长特别提到，我们国家现在已经进入创新型社会，艺术家的创造力是社会发展的宝贵资源，艺术家的审美特性也是创新所需要的。希望北京民生美术馆未来能够成为这些具有创造力的艺术家的舞台，也希望未来艺术家能够更多走进生活把我们的环境建设更好。
北京民生现代美术馆馆长周旭君开幕式致辞
此次展览不仅体现出管勇在绘画方面高超的技术，更主要的是显示了他艺术创作中深刻的“问题意识”，也为绘画在未來的发展揭示了某种可能。特别是管勇通过对同一主题作品在线条、色彩、光线、尺幅、处理方法等不同变化下的反复创作实践，打开了观众对于图像感知力的新的可能。管勇艺术思考和实践过程构成了一个更大的关于绘画的介质空间，这个展览一定会给大家带来关于观看方式的新体验、当代绘画意义的新思考。
展览策展人徐钢开幕式致辞
在世事喧嚣的当下，希望做出一个非常安静的研究性展览，这也符合艺术家管勇的性格。这个展览同时也希望做出“凝视”的效果，不仅是观众观看作品，也让作品审阅观众。经过一年多的反复讨论展览最终达到现在的呈现效果。北京民生现代美术馆“青年艺术家”系列是非常好的学术线索。去年在这个系列中展出的邬建安、汤南南两位艺术家今年便代表中国参加威尼斯双年展，这充分显示了北京民生现代美术馆的眼光和视野。
艺术家李津开幕式致辞
管勇是一个特别耐得住寂寞的人，除了艺术好像对其他事情没有兴趣，也不喜欢过多的出现在社交场合。但是他的艺术创作却充满了变化，此次展览的作品与他之前的符号性的画面差别很大，这对于一个成名的艺术家来说是非常难的。管勇虽然是创作油画的，但其画面背后仍然能看到传统的影子：一种高远而含蓄的气质。
管勇开幕式致辞
这次展览作品是近5年的创作，有的是根据图象来创作的，有的是根据写生，或者是直接就是写生，不管是什么形式都和自身有一个非常密切的关系。绘画是打开人类感知力的一种方式。绘画作为种视觉存在，首先提供的是一种可以被感知的幻象。幻象的意义系统是开放的，它的意义其实就产生于观者在观看时候自己的理解。希望此次展览能够分享我对于绘画在当下状况的看法。
北京民生现代美术馆展览部主任徐沁萍主持展览开幕式
作为中国新一代当代艺术家的重要代表，管勇多年来专注于架上绘画的创作和探索，此次展览则是其职业生涯中最重要的个展。展览不仅是管勇过去五年创作的小结，更是一个关于创作和观看方式的寓言。展览主题“介质空间”来自于著名画家莫兰迪的一句名言：“艺术家仅仅停留在两个极端的一端是不可能达到伟大的境界的；必须同时触及到两个极端，而且填满这两个极端中的介质空间。”对于展览主题的理解，管勇认为绘画作为一种视觉存在，首先需要提供一种可以被感知的幻象。幻象的意义系统是开放的，它的意义其实就产生于观者在观看时候自己的理解。
艺术家管勇
策展人徐钢认为，艺术的两个极端，一边是自然，一边是艺术表现。好的艺术家能够连接两端而使得作品本身也就成了一种介质空间。
策展人徐钢
通过如莫兰迪那样近乎极简主义的画面表达，管勇试图触及艺术的两个极端，从而在这批作品中达到了很多现代艺术家所达不到的一种境界：绘画变成一种关于图像生成过程的表现，连接着艺术家和观者之间、现实和幻象之间，从而带来一种深刻的心理和感情表达。
展览现场
★前言
文/徐钢
本次展览是管勇过去五年创作的一个小结，也是一个关于创作和观看方式的寓言。展览题目来自于莫兰迪的一句名言：“艺术家仅仅停留在两个极端的一端是不可能达到伟大的境界的；必须同时触及到两个极端，而且填满这两个极端中的介质空间。”这两个极端，一边是自然，一边是艺术表现，好的艺术家用风格感强烈的色彩和造型语言连接两端，艺术作品本身也就成了一种介质空间。
莫兰迪不是管勇的简单的模仿对象，而和他的作品一样，成为他的介质空间。通过莫兰迪那样的极简主义的表达对象、表达方式，甚至延伸到一个人对于生活和社会的态度，管勇试图触及到两个极端。在怎么样表现自然、又怎么样反思艺术表现的发展，他都有极其深刻的想法和艺术实践上的传达。
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关于介质空间，管勇是这样理解的：“在我看来，绘画作为一种视觉存在，首先需要提供一种可以被感知的幻象，而这个幻象的意义系统最好是开放的，能够对读者开放，它的意义其实就是观者在观看时候自己的理解。”换句话说，一幅画永远都只是未完成的、在艺术家和观者之间的介质，依靠每一个观者用自己的方式联系起来并理解以后，其意义才能完成。为了做到作品意义的真正开放，管勇使用了多种主题、技巧、色彩的表达办法。在本次展出的作品中，我们至少可以突出地看见其中三种：
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第一，微妙重复。不是安迪沃霍用丝网版画达成的波普的图像重复，而是用手工反复描绘同一景象、让画面充满微妙而复杂的变化。他用水彩和油画表现南京阳山碑材、重现莫兰迪的静物、模糊地再现某一个现成情色图像，不断重复画面，却又不乏细微的变化。他实验的对象既和图像相关，更跟颜色相关，依靠同一主色调之间的微妙差异和过渡，对应着心理和情感的潜流。在颜色的渐进过渡中，管勇表现出超群的技巧控制，同时不失冷峻的基调和几乎是存在主义般的哲理的反思。
第二，神秘化、去熟悉化。有些神秘感是图像自身的内涵所带来的。南京的阳山碑材，巨大的三块石料废弃在山间，包含了明朝初年宫廷争斗的无数密辛，时间过去越久，就越成为千古之谜。那些情色影像，更是引人浮想联翩，对主人公的隐私和背后的故事充满好奇。管勇绘画时经常用多层次色彩的软边处理和同样色系中的层层渲染，从而有意制造出一种神秘的气氛，并将习见的事物去熟悉化，由隐晦歧义而带来意义的开放。
第三，逐层放大。细看之下，我们才明白这些作品不是简单的图像重复，而是系列性的类似光学的放大或缩小。无论放大多少，管勇的图像永远保持着一种模糊、“失焦”的状态。观者习惯性地想要看到更多：模糊的背后到底是什么？求清晰而不得的结果是关于观看机制的反思。
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除了莫兰迪以外，管勇还吸收了多方面的营养：从维米尔到塞尚到马列维奇到罗斯科，都对他有所启发，帮助他形成鲜明的现代主义艺术的个人风格。而其近期作品，却又努力化解风格感。他解释说：“我以为风格在绘画中是画布平面作为一个空间载体，从其最深处向外部以至表层的一种结晶态，是一个绘画生成过程的结果，并非是绘画的目的。”这又变成了一个介质的问题。通过处理神秘性、模糊性、可视性背后的不可视性，管勇在这批作品中达到了很多现代艺术家所达不到的一种境界：绘画变成一种关于图像生成过程的表现，连接着艺术家和观者之间、现实和幻象之间，从而带来一种深刻的心理和感情表达。
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★作品说明
文/管勇
这个展览中的画绝大部份是最近五年完成的，作品的命名方式我采用了传统的绘画分类方法，也就分为了静物、人物、风景、人体、无题这几种。这并非一开始就设计好的，而是随着工作的发展，作品似乎呈现了这样的面貌，于是索性就以这种方式加以区分了，当然，这也是比较合我胃口的事。有时候，在处理作品时，我也主观的模糊了这个分类的界限，在静物、人物、风景、人体这些体裁之间并没有绝对的界限，我有时候把人物、风景、人体作为静物看待，有时候亦会对静物加以风景画方式的处理，有时候在人体画上加强风景画的元素。
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这些画有的是根据图像创作的，有的是根据写生或直接就是写生。不管是何种方式，这些画所描绘的内容和我都有一种非常密切的关系。对于这几个描绘对象的选择，虽然情感依据各自不同，但共同点则是和我自身生活的密切性特征。我对描绘对象的选择通常是很审慎的态度，对图像的依赖我希望降到最低的程度。我以为绘画是打开人类感知力的重要方式，但图像现在似乎更多的体现出一种剥削特征，对人性中感知力的剥削，这和摄影发明早期的图像状况截然不同了，这种对感知力的剥削是在一个发达的资本主义框架下完成的。
在这几年工作的过程中，时常碰到很多的问题与障碍，工作无法展开的情况，从而状态陷入一种焦灼的困境中，这是很糟糕的状况。但慢慢的也找到了一点应对的方法。一方面使自己放松下来，另一方面仔细的看看那些前辈大师的处理方法，慢慢的也就渡过了难关。绘画史很长，对于画家，那里面蕴含着无穷的方式方法。
我觉得绘画首先是看的功夫，其次才是画的功夫。其实对于绘画的观赏，本来亦没有懂与不懂之差的，更多的是激起个人感知多寡的区别。绘画创作是那种没有什么好办法的事情，看不懂的时候只能一直看，所以有时候我会盯着一件作品看很久，画不好时候只能一直画。看的久了，也就懂了，画的多了，也许就好了吧。
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我以为风格在绘画中是画布平面作为一个空间载体，从其最深处向外部以至表层的一种结晶态，是一个绘画生成过程的结果，并非是绘画的目的。若以风格作为目的加以追求，画布表面将反过来变成为绘画的障碍，将变得难以突破。
今日的画家已不必再像现代主义绘画或其之前的画家那样依赖写生，但写生依然是绘画的一个有效方式。图像是我们今天的主要视觉对象，这种图像是机器归纳的结果。和自然对象相比，图像更加干净、有序、平面、静态（液晶屏以静态的方式归序了动态图像）、单薄，人类也早就习惯了这种视觉秩序，这当然是社会现代性发展的必然结果。这和自然的视觉对象相比显然是相反的属性，自然对象看起来充满杂质且无序得多，但也更富于空间层次及动态。在现代主义初期，塞尚要以几何形来归序相对无序的自然来建构画面，但今天的绘画任务和那时已然非常不同了，几乎走向了一个相反的方向。
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现在的绘画亦无所谓具象与抽象了，在具象与抽象之间，已没有明确的界限，这和抽象绘画诞生在出的状况很不同。绘画发展到今天，已经不再是现代主义早期的那种对于艺术自立的运动性诉求了，现今所有的绘画要素终要放到一个台面上来讨论。
绘画一定不是可以脱离其历史性来加以定义的，绘画一直是内在于其自身的历史之中。我所理解的绘画史的终结，一方面是指传统主流艺术史叙事模式的瓦解，另一方面意味着今日绘画与历史重新建立关联性的必要。这种关联性更多的是揭示我们今天的视觉和历史上视觉的差异，而非仅是一个历史意识，尽管历史意识是必要的，这个问题的关键在于：语言始终内在于其自身的历史，且不停息的流变。
这个时代最不缺乏的是焦虑、困惑、愤怒、茫然、纠结、失控、恐惧、不确定等等。在一个反映论的模式下，艺术自身所具有的形态性使画家很容易捕获这些所谓“时代情绪”。但这个向度过于狭窄，以至于其可以反向的吞噬自身，就像一条吞下自身尾巴的蛇。其实，是时代生产了焦虑困惑纠结恐慌失望不确定，还是这些面向反向的塑造了这个时代，任谁也是说不清的。而我更愿意与其保持距离，尽量的抽身而退，保留一种不被其反噬的可能性。当然，这些说得容易做起来难！
这种抽身而退并不一定意味着是一种消极的选择，于我个人或许反而意味着一种积极主动吧。一方面是因为绘画是那种需要倾注大量时间的体力与脑力活动，另一方面我把对世界的兴趣归结为对自身的兴趣，从而绘画成为了认知自身的一种方式。这不可避免的会造成生活工作相对封闭的状况，我当然也很珍惜这样的小氛围。
秋日为记
★展览现场
展览将持续至年11月30日。展览期间还将围绕“绘画”这一中心主题开展学术研讨会和多场公共教育活动。
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管勇——介质空间
展期：年10月31日-11月30日
地点：北京民生现代美术馆一层主展厅
本文素材致谢北京民生现代美术馆
中国艺术现场综合整理报道
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